tag:blogger.com,1999:blog-89023347355776374052024-03-23T03:14:58.446-07:00Historia de mis ClásicosCharly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.comBlogger58125tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-9703074100444422172023-07-26T14:51:00.000-07:002023-07-26T14:51:04.817-07:00Nothing Compares 2 U (Sinéad O’Connor, 1990)<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/0-EF60neguk" width="320" youtube-src-id="0-EF60neguk"></iframe></div><span style="font-family: "Book Antiqua", serif;">Ha muerto, a los 56 años, </span><span style="font-family: "Book Antiqua", serif;">Sinéad O’Connor: muchas </span><span style="font-family: "Book Antiqua", serif;">cosas
han pasado con desde que nos embelesó allá por 1990 con Nothing
Compares 2 U, canción de tal belleza que hizo de su video promocional un
clásico, a pesar de que simplemente muestra la cara de quien mi generación conoció, sencillamente, como “la Calva”.</span><p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Es que ahora
es normal, pero entonces nos preguntábamos a santo de qué se raparía aquella
mujer tan hermosa. “Para demostrar que hasta sin pelo es preciosa”,
justificaban unos. “Porque su novio se murió y ella se peló así de tristeza”,
inventaban otros. Pero la realidad era menos romántica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Sinéad se
rapó porque quería ser valorada por su voz, no por su belleza, y de cierta
manera esquilarse fue un manifiesto. Esta irlandesa se caracterizó siempre por
ser radical, quizás por haber nacido en un país marcado por históricos
conflictos, quizás por la difícil relación que tuvo con su madre…<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Solo ella
sabe cuán tormentosa fue su niñez para volverse tan arisca, pero algo de aquel
dolor afloró en Nothing Compares 2 U, al punto de convertir en un éxito mundial
un tema que cinco años antes había estrenado con más pena que gloria su autor,
el artista conocido intermitentemente como Prince.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Venerado -con
razón- como un genio del R&B, Prince lo compuso para su proyecto paralelo
The Family, inspirado en un músico de su banda que recién había roto con su
novia. El original era francamente lamentable, pero Sinéad lo salvó con una
versión desgarradora, catártica, triste, insuperable…<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Fachtna
O'Kelly, su manager, tuvo la idea de hacer esta versión y se la llevó en casete
a Chris Hill, del sello discográfico Ensign. Dicen que cuando Hill la escuchó
se emocionó tanto que lloró. O'Kelly se lo contó a su cantante y esta preguntó,
confundida: “¿Tan mal estaba?”. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Fue la
canción estrella de I Do Not Want What I Haven't Got, su segundo disco de
estudio. Aquello fue un éxito de proporciones épicas. De pronto una cantante
que apenas sonaba en radios universitarias lideraba las listas de ventas en 17
países, dándole una popularidad que no deseaba y que rechazó con vehemencia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">De entrada,
se negó a recoger el premio Grammy que ganó en 1990 por Mejor Interpretación
Alternativa, como protesta contra lo que tal galardón representaba. Odiaba la
fama que le trajo este clásico, por sus principios de rechazo a la
comercialización, sin ocurrírsele que la gente lo compraba porque le gustaba la
canción, aunque el video ayudó. Y mucho.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Dirigido por
John Maybury, el video tuvo un estremecedor momento que nadie planificó, cuando
a Sinéad se le escapan dos lágrimas al contarle a su difunta madre que las
flores que había sembrado en el patio trasero murieron al ella irse. Aquellos
versos revelaban de golpe qué pérdida le provocaba tal dolor, quién era
realmente la persona con la que nadie se comparaba a sus ojos…<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Nothing
Compares 2 U fue el único gran éxito comercial de Sinéad, cuya recalcitrante
militancia acabó hastiando a muchos. Esta acérrima crítica del Vaticano acabó
ordenándose sacerdote, y hace unos años canceló una gira debido a un
trastorno bipolar. Luego se convirtió al Islam, y en 2022 sufrió el suicidio de su hijo Shane.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Con su muerte vuelve ser noticia una artista de vida atormentada y voz apasionada, capaz de estrujarnos el corazón y hacernos creer que nada, en verdad nada, se
compara con ella…</span><o:p></o:p></p>Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-63336205447479389002020-12-19T14:34:00.000-08:002020-12-19T14:34:06.327-08:00Respect, el reclamo que Aretha Franklin volvió contra Otis Redding<p><span style="font-family: georgia;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/OD3WOKLTRyQ" width="320" youtube-src-id="OD3WOKLTRyQ"></iframe></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: 12.8px;"><p><span style="font-family: georgia; font-size: 12.8px;"><br /></span></p></span><span style="font-family: georgia; font-size: 12.8px;">Los últimos días de Aretha Franklin, la Reina del Soul, tuvieron una cobertura periodística a ratos morbosa, aunque más inspirada en la grandeza de quien estaba por partir, que por las ganas de contar una mala noticia, por mucho que repercuta.</span><p></p><p><span style="font-family: georgia;"><span></span></span></p><a name='more'></a><p></p><p><span style="font-family: georgia;"><span style="font-size: 12.8px;">La pasional intérprete falleció en agosto de 2018 tras una larga batalla contra el cáncer, que se la llevó con 76 años de edad y una figura distante de la bella robustez de "big mama" sureña, de mujer fuerte y capaz, que exigía, merecía y recibía respeto.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">De hecho, entre los pasajes más emblemáticos en la historia del "rock 'n roll" quedará su potente voz deletreando "R.E.S.P.E.C.T." en el clásico homónimo que compuso el gran Otis Redding, pero que ella hizo suyo y cantó como nadie.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">Redding, más conocido por su conmovedor "(Sittin' on) the dock of the Bay", compuso y grabó "Respect" en 1965, como el reclamo de un hombre trabajador y proveedor que al llegar a casa espera, cuando menos, algo de respeto.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">"Me tomó todo un día escribirla y unos 20 minutos componerle un arreglo, y de una vez salió. Es que todo el mundo quiere ser respetado", comentó el malogrado cantante poco antes de morir en un accidente de aviación, en 1967.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">Justo ese año la versionó Aretha, quien le agregó estribillo y un puente que no tenía: se valió del solo de saxofón ejecutado por King Curtis para el tema "When Something Is Wrong With My Baby," de Sam and Dave para Stax Records.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">La propia Aretha tocó el piano en su versión, sus hermanas Carolyn y Enma la apoyaron con el coro, y la grabación contó con la emblemática sección rítmica de los Muscle Shoals, quienes pronto ganarían fama mundial como músicos de sesión.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">La grabación ocurrió un Día de San Valentín, en el estudio del sello Atlantic en Broadway: Aretha tenía entonces 24 años y llegó desde Detroit, cuna del sonido Motown, decidida a cantarle al mundo cómo concebían las mujeres el respeto.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">En esencia, la versión de Aretha le viró la tortilla al reclamo de Redding: si quieres ser tratado con admiración y respeto, tienes que ganártelo, pero no solo como proveedor, si no como esposo.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">El productor Jerry Wexler contaría luego que el fervor en la voz de Aretha demandaba un respeto concebido como atención sexual de nivel, idea reforzada por el verso "TCB", acrónimo de "Taking Care of Business" (ocuparse de sus asuntos).</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">Sin embargo, Aretha negó tales implicaciones sexuales en una entrevista con la revista Rolling Stones en 2014, y de hecho, coronó una década contracultural de muchas reivindicación sexual, pero también social, racial y de género.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">Hasta la eclosión de "Respect", Etta James era venerada como la Reina del Soul y jamás pudo recuperar su trono, aunque lo intentó: es más, ella también versionó una canción de Redding ("Security"), pero despertó poco interés.</span><br style="font-size: 12.8px;" /><span style="font-size: 12.8px;">Aretha Franklin se fue, pero dejó vigorosas canciones que nunca resolverán los problemas de la gente, pero sí que ayudan a enfrentarlos: empieza respetándote a ti mismo, y eventualmente los demás también lo harán.</span></span></p>Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-12683680539866502832020-02-22T14:49:00.001-08:002020-02-22T14:49:55.466-08:00A whiter shade of pale (Procol Harum, 1967)<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/Mb3iPP-tHdA/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/Mb3iPP-tHdA?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua", serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua", serif;">Quizás el
título en inglés y el críptico nombre de la banda le hagan dudar de cuán
clásico sea este tema, pero cuando sepa que es la versión original del <i>Con su
blanca palidez </i>popularizado en español por<b> Cristina y sus Stop</b>, de seguro
recordará su conocida melodía de organillo tristón.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Compuesta por
Keith Reid para la banda británica <b>Procol Harum</b>, este tema fue lanzado como
sencillo el 8 de junio de 1967 y encabezó las listas de su país durante seis
semanas al hilo, gracias a su letra y una distintiva instrumentación que más
adelante inspiró otro clásico, el <i>Je t'aime... moi non plus </i>del curioso dúo de
Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">En Cuba
muchos lo conocieron gracias a su versión hispana,
frecuentemente radiada en el programa <b>Nocturno</b>, que aún hoy recuerda aquel
período musical conocido como la <i>Década</i>, que duró mucho más. Muchas de las
canciones popularizadas entonces devinieron piezas de culto en virtud de
nostalgias e innegables cualidades.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">De hecho,
esta canción en particular respiró un segundo aire en 1995, cuando la británica
<b>Annie Lennox</b> –ex integrante de <b>Euryhtmics</b>- la cantó a su genial y personalísimo
aire, que embarga en otras de sus interpretaciones más famosas, como <i>Why </i>o <i>Love
Song for a Vampire</i>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>La letra en cuestión, un poema de Reid, es una
colección de frases abstractas sobre las relaciones chico/chica, utilizando
metáforas al estilo marinero. El título se lo escuchó a alguien describiendo a
una muchacha cuyo rostro había palidecido aún más allá de lo pálido. Cosa loca…
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Gary Brooker,
vocalista del grupo y responsable de la música, admite que aquello no era muy coherente,
pero le daba el pie justo para componer algo entre clásico y jazzeado. “<i>No
tienes por qué saber un significado siempre y cuando puedas comunicar una
atmósfera y un sentimiento</i>”, dijo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Según explicó
años después, Reid quedó impresionado por ciertos filmes franceses de corte
surrealista, que de cierta manera lo turbaron y le hicieron parir aquellos
versos. Al llevárselos a Brooker, este solo necesitó dos horas para encontrarle
acomodo a la melodía que se le ocurrió. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">La canción
era el doble de larga y la recortaron de cuatro a tres versos, aunque fue por
su bien. La grabaron en vivo, con un órgano Hammond y en tres tomas, cantada
con un aire de soul.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Por cierto, el
mítico <b>Otis Redding</b> la quiso cantar también, pero los <b>Procol Harum</b> querían la
exclusiva.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Casi cuatro
décadas después, el tecladista Matthew Fisher logró presentar con éxito una
demanda judicial reclamando parte de los <i>royalties </i>por sus aportes a la
composición. Se trataba, después de todo, del primer organista que la
interpretó, y una Corte le dio la razón en 2006. Brooker apeló con éxito, y el
asunto ha llegado hasta La Cámara de Los Lores. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Por otro
lado, <b>John Lennon</b> y<b> Paul McCartney</b> dijeron en su momento que era su canción
favorita y que no se cansaban de escucharla. Pero eso lo dijeron de otras, así
que mejor no hacerles demasiado caso.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua",serif;">Como sea, <i>A
whiter shade of pale</i> es un clásico gracias a su progresión de acordes, línea
melódica, letra fundente y, sobre todo, porque le gustó a una generación lo
suficientemente delirante como para disfrutar un tema que hizo palidecer a sus
rivales… más allá incluso de lo pálido…<o:p></o:p></span></div>
<br />Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-38969918013660823122020-01-28T05:59:00.001-08:002020-01-28T06:03:03.122-08:00Plagio no, sampleo<br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , serif;">Dicen,
exagerada que es la gente, que ya uno no puede siquiera cantar en la ducha,
pues viene Pitbull y te hace un remix. Y el problema no es que se monte en la
música de otros para armar la suya, lo preocupante es que se lleve todo el
mérito porque nadie conoce el original, o lo olvidó…</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/5jlI4uzZGjU/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/5jlI4uzZGjU?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<span style="font-family: "book antiqua" , serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">No hace
tanto la juventud brincaba febril con el Reloaded de Pitbull y Christina
Aguilera, y los más veteranos movíamos la cabeza horrorizados, porque sabíamos
que esa coda pegajosa y estimulante era el emblemático riff de ese temazo que
es el Take On Me de A-ha, del cual escribimos aquí.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">Pero no la
cojamos con Pitbull, quien simplemente es consecuente con una práctica ya
legitimada: “samplear”, o sea, tomar “samples” (muestras) de otras melodías,
pasó de ser la antítesis de la creatividad, a ser cotidiano, aceptado e incluso
aplaudido.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">Su eclosión
se remonta un cuarto de siglo atrás, cuando el primer sampler digital salió al
mercado. El desarrollo y sofisticación actual de esos equipos y softwares le
ahorra neuronas a muchos, así como años de estudios musicales y una cosita
intrascendente, minúscula, sin importancia: talento…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">A ver, que
tampoco se puede ser tan recalcitrante. Como recurso es válido, y puede
funcionar incluso como tributo. Los artistas de la electrónica hacen
apropiaciones interesantes de clásicos de otros géneros, y sale algo innovador,
sui generis, y el hip-hop, más centrado en el discurso que en la melodía, ha
legado numerosos clásicos a golpe de “sampleo”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/_NNYI8VbFyY/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/_NNYI8VbFyY?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">Por
ejemplo, en 1990 causó furor el rapero MC Hammer con el tema U Can’t Touch
This, y a días de hoy muchos desconocen que su contagioso leit motive pertenece
al Super Freak que popularizó Rick James en 1981. No pasó así con el Ice, Ice
Baby de Vanilla Ice, que discurría sobre la inconfundible base rítmica del
mítico Under Pressure de Queen y David Bowie.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">Quizás el
artista más “sampleado” ha sido el genial James Brown: muchos temas de hip-hop,
pop, break beat o dance, contienen pasajes creados por el Padrino del Funk. Del
otro lado, el dúo parisino Daft Punk ha hecho del “sampling” su modus operandi,
al igual que otras leyendas del llamado big beat, como Fatboy Slim, Moby o The
Chemical Brothers.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/GxZuq57_bYM/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/GxZuq57_bYM?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">Sin
embargo, la canción más “sampleada” de todos los tiempos es Amen, Brother, de
la banda funky The Winstons. En particular el solo de batería que Gregory
“G.C.” Sylvester interpreta durante 5.2 segundos ha sido considerada la base
rítmica de casi todas las canciones del “drum n’ bass” y el “jungle”.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">La lista es
inagotable. En Cuba, la Charanga Habanera lleva años armando éxitos
apropiándose de fragmentos musicales de clásicos del pop, y hasta de los
muñequitos rusos. Mucho espectáculo, poca música. Pero lo dicho, ni son los
primeros, ni serán los últimos, y otros más grandes lo han hecho…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">Por
ejemplo, para su energético Hung Up la gran Madonna tomó partes del Gimme Gimme
(A Man After Midnight) de ABBA; Eminen usó el Thank You de Dido para su
aplaudido Stan; Public Enemy, una institución del rap, empleó la melodía del
For What It's Worth de Buffalo Springfield para He Got Game; la Bitter Sweet
Symphony de The Verve “samplea” The Last Time de la Orquesta de Andrew Oldham;
y el Every Breath You Take de The Police marca el ritmo del I'll Be Missing You
de Puff Daddy.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "book antiqua" , "serif";">Y si este
artículo le deja la sensación de haberlo leído antes, es porque en el
periodismo el “sampleo” también vale: copiar de uno es un plagio, copiar de
muchos es investigación…<o:p></o:p></span></div>
<br />Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-44370749656321883222019-07-10T13:13:00.001-07:002019-07-10T13:13:01.990-07:00That's the way (KC & The Sunshine Band, 1975)<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/OM7zRfHG0no/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/OM7zRfHG0no?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua", serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua", serif;">Comparado
con cualquier reguetón actual, el That's the Way (I Like It) de K.C. and The
Sunshine Band es una tonadilla mongólica. Sin embargo, en su momento esa
canción fue criticada por sus alusiones sexuales, sin que aquella mojigatería
impidiera que fuera un éxito comercial y un señor clásico.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Este himno
de la fiebre “<i>disco</i>” alcanzó la cima del Billboard Hot 100 a finales de 1975,
solamente desplazada durante una semanita por el Fly, Robin, Fly del que ya
hablamos aquí. Escrita a dos manos por el vocalista Harry Wayne Casey (KC) y el
bajista Richard Finch, esta melodía cautivó por su desenfado, ritmo y unos
elocuentes jadeos que incomodaron a más de uno. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Es que el
estribillo insistía en que así es –ajá, ajá- como me gusta, y ya usted
interprete eso como quiera…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Pero
nuestro objetivo no es deconstruir una canción, si no contar su historia y eso
haremos: ya el buen KC había colado un número uno en Estados Unidos con su Get
Down Tonight (vaya con sus títulos) y montado en esa cresta armó una canción
que diera sentido al meneo pélvico propio de las discotecas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">El tema
causó furor en los clubes, donde lo ponían sin atenuar el polémico resuello del
coro, como tenían que hacer los DJ’s en la radio para evitar la censura de los
moralistas de guardia. A diferencia de estos tiempos, entonces los artistas se
cuidaban de usar términos altisonantes, y la poesía solía echarles una mano a
la hora de decir sin decir. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">“<i>Estábamos
muy felices, y eso se notaba. Le pusimos toda la emoción que nos causó el éxito
de Get Down Tonight, y creánme que quedamos alucinados y locos por hacer algo
más. Esa magia se nota desde los acordes iniciales de That's The Way I Like It,
porque teníamos tal euforia, que si escuchas bien la grabación, quizás notes
que todos sonreíamos en el estudio. </i></span><span style="font-family: "Book Antiqua", serif;"><i>Encima, producir un éxito así en un sello
independiente era casi imposible. A veces creíamos que estábamos soñando</i>”,
relató años después Finch en una entrevista.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Además de
Estados Unidos, la canción alcanzó la cúspide en Canadá y los Países Bajos,
llegó al segundo puesto en Bélgica, el cuarto en el Reino Unido, el quinto en
Australia y Noruega, y estuvo en el Top20 de Europa. No fue el último éxito de
esta formación fundada en Florida en 1973. Temas como (Shake, Shake, Shake)
Shake Your Booty, I'm Your Boogie Man y Please Don't Go, una amelcochada balada
que años después gozó de un segundo aire en una versión más “dance” a cargo del
grupo italiano Double You.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Ampliamente
versionada e incluida a cada rato en filmes y series, este tema ha sido una
máquina de regalías para KC, no así para Finch, quien renunció a todo pago
posterior a su salida del Sunshine Band, firmando un contrato sin dudas
leonino. Su viejo socio le dio la mala, y si alguien le preguntara por qué,
quizás el inteligente de KC se limite a responderle, sonriente: <i>that’s the way,
ajá, ajá, I like it, ajá, ajá</i>…<o:p></o:p></span></div>
<br />Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-89166407290748346132018-12-04T05:31:00.000-08:002018-12-04T05:31:12.556-08:00A Santa Bárbara (Celina González, 1948)<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/KPQUCCGtWQU/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/KPQUCCGtWQU?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua", serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Book Antiqua, serif;">Cuando uno escucha el nombre de Celina González, de inmediato le vienen a la cabeza dos canciones: Yo Soy
el Punto Cubano y A Santa Bárbara. La primera la coronó como reina de ese
género campesino, la segunda fue quizás el clásico que más la marcó, la
composición que cambió su vida en disimiles maneras.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Book Antiqua, serif;"> En la
historia de este tema hay una interesante dosis de misticismo, pues la popular
artista afirma que la propia Virgen Guerrera se le apareció y le dijo que si
componía una canción en su honor, le garantizaría la consagración. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> Corría
noviembre de 1948. Celina y su pareja musical y amorosa, Reutilio Domínguez,
recién habían llegado a La Habana en busca de fortuna. Allá en Santiago de Cuba
eran famosos, pero la capital es la capital, y fueron recomendados por
el mismísimo Rey de la Guaracha, Ñico Saquito.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> A los pocos
días, la cantante tuvo su trascendental visión. “Yo fui a entrar al cuarto y
allí estaba ella y me susurró: dedícame una canción y te daré lo que quieras”,
le contó hace años Celina a la periodista Paquita Armas. Reutilio le dijo: “Tú eres
poetisa, hazle la letra y luego viene la música”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> La epifanía
vino en el momento preciso. Ñico Saquito les había pedido un disco para
mostrárselo a Laureano Suárez, director de Radio Cadena Suaritos, que difundía
cantos de la liturgia afrocubana cantados por Merceditas Valdés, la Pequeña
Aché, con arreglos Obdulio Morales. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> Si Laureano
tuvo alguna duda, las desechó de inmediato al escuchar los ensayos de A Santa
Bárbara. Quedó tan impactado, que decidió abrir los micrófonos para compartir
con la audiencia aquel “cañonazo”, como le llamó. Ese mismo día contrató al
matrimonio como artistas exclusivos de su emisora. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> Es más, "Suaritos" alquiló para ellos un apartamento en la céntrica esquina de 23 y 12,
donde Germinal Barral, que escribía con el seudónimo de Don Galaor, los
entrevistó para la revista Bohemia el 20 de febrero de 1949. Al año siguiente
cantaron su éxito en el filme Rincón criollo, dirigido por Raúl Medina y
protagonizado por Rita Montaner, Candita Quintana, entre otros monstruos. La
Virgen prometió fama, y estaba cumpliendo rápido…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> En
realidad, la canción lo tenía todo para afianzarse en la espiritualidad del
pueblo, pues integraba el punto guajiro con el sincretismo religioso del
catolicismo y los cultos yorubas. De hecho, muchos en Cuba la conocen por su
estribillo, “Que viva Shangó, señores…”<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> Nacida en
batey cercano a Jovellanos y criada en Santiago de Cuba, no era de extrañar que
Celina simpatizara desde niña con la Regla de Osha. Es más, en 1958 se hizo
santo, y los caracoles revelaron que era hija de Yemayá, sincretizada en Cuba como
la Virgen de Regla. Años atrás, en Bella, la salvaje, otra película de Medina,
había entonado A la Reina del Mar, dedicado a Yemayá, sobre la misma melodía de
A Santa Bárbara.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> Celina le
confesó en su entrevista a Paquita su dolor por el silencio al que fue sometido
su gran clásico durante un tiempo, un error rectificado a tiempo, pues ha
contribuido a universalizar la cultura y espiritualidad de los cubanos. El
dolor que provocó su muerte, el 4 de febrero de 2015, fue quizás el más irrefutable testimonio de cuanto
la amó su pueblo, bendecido por el “aché” de su cubanísimo canto. <o:p></o:p></span></div>
<br />Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-6363270860600562492018-10-15T16:34:00.000-07:002018-10-15T16:34:35.117-07:00El Gran Varón (Willie Colón, 1986)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/gQ3WqlkiIew/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/gQ3WqlkiIew?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="ES" style="font-family: "Book Antiqua","serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="ES" style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Si Omar Alfanno hubiera escrito la desgarradora historia
de Simón ahora y no hace casi tres décadas, seguramente le cambiaba un par de
cosas, aunque solo fuera por librarse del tribunal de la corrección política,
esa suerte de Inquisición. Pero “El Gran Varón” nació en 1986, y ni al
compositor panameño ni al salsero Willie Colón podía pedírseles otra cosa en
aquella época…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="ES" style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Analizada en la distancia, lo que pretendía ser un
llamado a respetar lo diferente pecaba de condescendiente y de estereotipar una
preferencia. El concepto del gay como un “palo que nace doblado” cuyo tronco
jamás endereza ratifica el machismo predominante en un género como la salsa, incluso
cuando pretende ser consciente, como la defendida por el propio Colón y el
panameño Rubén Blades.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="ES" style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Pero negarle valores a “El Gran Varón” sería injusto, no
solo por su gran arreglo, si no por atreverse a contar el drama de Simón y su
padre Andrés en aquellos años de desmadre y ruptura que fueron los 80. Además, abordó
el duro tema del SIDA, esa “extraña enfermedad” que inquietó a la humanidad, y creó
conciencia sobre la necesidad de una vida sexual más responsable.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="ES" style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Sin embargo, al componerla Alfanno no pretendía
pontificar; simplemente quería contar la historia real de un amigo del bachillerato,
que huye de un entorno que lo forzaba a reprimir su identidad sexual, y muere al
cabo del tiempo en un hospital de California. “</span><span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Simón es lo único ficticio, del resto es una historia
fiel a la realidad”, ha confesado Alfanno varias veces.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="ES" style="font-family: "Book Antiqua","serif";">Además, la trama de la canción coincide en tiempo con el
drama que la inspiró, aunque el autor se adelantó al desenlace: cuando Omar la escribe,
su amigo aún convalecía en un hospital de Los Angeles. Pero necesitaba un
cierre, de ahí la estrofa “</span><span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">En
la sala de un hospital, de una extraña enfermedad, murió Simón. Es el verano
del 86, al enfermo de la cama 10 nadie lloró”. Y de nuevo asoma la homofobia su
oreja peluda en esta moraleja: morir solo como destino y castigo a la vez…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">La canción
llegó a Willie casi de casualidad. El trombonista neoyorquino sacó de un apuro
a Alfanno en México D.F., donde el panameño se presentaba con su grupo, Los
Sembradores del Sur. Colón le prestó los instrumentos para que pudiera tocar y
evitar una demanda, y cuando Omar fue al camerino a agradecerle, le cantó El
Gran Varón. Willie quedó impactado por la letra, y medio año después logró que Alfanno
le permitiera grabar el tema. El resto es historia… </span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";"> El “Malo del Bronx” incluyó la canción en Top
Secrets, su último disco con Fania Records. El artista la grabó en 1989 con el
grupo Legal Alien, pero nunca imaginó que triunfaría, justamente por los
prejuicios. Aunque generó controversia, nunca fue censurada, encabezó listas de
éxitos e incluso recibió un premio humanitario otorgado por los diseñadores Oscar
de la Renta y Carolina Herrera. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-family: "Book Antiqua","serif";">“La canción
tenía una verdad, y la combinación de la música y la letra fue un argumento muy
contundente”, comenta su intérprete. Como dato curioso, Colón grabó dos
versiones en las que cambia las fechas en que nace y muere Simón. Solo eso. Habría
que ver si ahora le cambiaría algo más, y si el resultado sería, con todo y sus
imperfecciones, un clásico capaz de poner a bailar y a pensar también. </span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11pt; margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-60785817938152050752018-10-13T14:54:00.000-07:002018-10-13T14:54:19.775-07:00El padre Antonio y el monaguilo Andrés (Rubén Blades, 1984)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/xpSg7qhfQYI/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/xpSg7qhfQYI?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
Entre cánticos religiosos y de corte social entonados para saludar la canonización de Oscar Arnulfo Romero destaca un clásico de la salsa consciente que compuso Rubén Blades como tributo al obispo mártir: "El padre Antonio y el monaguillo Andrés", contundente crónica musical insertada en el disco Buscando América (1984), recrea con ritmo y sentimiento la historia del arzobispo de San Salvador, asesinado por predicar contra la violencia.<br />
El tema sobrecoge por su arreglo y significación dentro del primer disco del artista panameño con los Seis del Solar, un álbum de culto cuyo alto contenido político le costó censura y reivindicación.<br />
Aquel fonograma de Elektra Records contenía "<a href="https://www.youtube.com/watch?v=wGl-fQxMY9E" target="_blank">Desapariciones</a>", que sintetizó el drama de miles de familias latinoamericanas, o el relato cantado "<a href="https://www.youtube.com/watch?v=lFgu4O-Uh2E" target="_blank">GDBD</a>", acrónimo de Gente Despierta Bajo Dictadura.<br />
En la historia del Padre Antonio, Blades solo menciona a Romero en el pregón final, aunque los versos retratan el ejemplo del pastor salvadoreño, las circunstancias de su muerte y la impunidad del crimen. "<i>Y entre el grito y la sorpresa, agonizando otra vez, estaba el Cristo de palo pegado a la pared. Y nunca se supo el criminal quién fue del Padre Antonio y su monaguillo Andrés</i>", canta Blades, llamando luego a que "suenen las campanas".<br />
Al poner como protagonista a un cura español -el padre Antonio Teijeira-, Blades no circunscribe su canción-denuncia a Romero, y reivindica además a otros precursores de la Teología de la Liberación, como el colombiano Camilo Torres.<br />
Blades tampoco guardó un silencio cómplice con el militarismo estadounidense que apuntaló las dictaduras latinoamericanas, y en "<a href="https://www.youtube.com/watch?v=qcar3MlMzmc" target="_blank">Tiburón</a>", arremetió a atacarlo para impedir que se tragara a "nuestra hermana El Salvador".<br />
Justo por el alcance y crudeza de su denuncia, Buscando América fue censurado en muchos países sometidos a regimenes militares, pero el efecto fue el opuesto, y el disco consagró a Blades, quien todavía recuerda y honra a Monseñor Romero.<br />
Hace tres años, cuando la Voz de los Sin Voz fue beatificado, el artista destacó el ejemplo de quien se comprometió con los necesitados sin expectativas de lucro o reconocimientos, asumiendo todos los riesgos con honestidad.<br />
"<i>No soy de los que creen en milagros (...) Pero eso no implica que no crea en la maravillosa aparición de la decencia en el medio de la corrupción más grande, de la brutalidad más grande, de la violencia más grande</i>", escribió Blades entonces. Y cerró el mensaje con una reflexión que esbozó en el indiscutible clásico que es la historia del padre Antonio: "<i>aunque maten a la gente nunca podrán matar a las ideas. Por eso sus asesinos no ganaron, y Usted sí</i>". Amén...<br />
<br />Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-43674747558397713002018-09-25T07:04:00.000-07:002018-09-25T07:04:08.647-07:00Heart of Glass (Blondie, 1979)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/WGU_4-5RaxU/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/WGU_4-5RaxU?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Allá por 1979, cuando el <i>punk</i> le declaró una guerra sin cuartel a la música bailable, Blondie cometió la herejía de, siendo una banda paradigmática de la escena <i>new wave</i> neoyorquina, hacer nada más y nada menos que un tema disco: <i>Heart of Glass</i>, pura irreverencia en un rítmico empaque comercial.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
La música disco -sofisticada, anodina, melódica- estaba en las antípodas conceptuales del <i>punk</i>, un género que se caracterizaba por ser rebelde, crudo, ruidoso, hecho con más rabia que musicalidad. Y resulta que viene Blondie y hasta cuela entre guitarras y baterías una caja de ritmos… ¡Traición!</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Sin embargo, los fundamenlistas del género estaban tan indignados que fueron incapaces de apreciar que aquello era puro <i>punk</i>, en su sentido más insolente, pues los de Blondie la interpretaban sobre todo para fastidiarlos. Y al final de eso va el <i>punk</i>, de provocar y subvertir lo establecido. ¿O no? </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj024PdzD2qd6n_TezxsaNo7-pPS9Bd0u368dzNojWK_2lcjZAQyIhkDYwNfkCE2D_TLaLl_bjksGoV9uJackt0595HXrYp8u5mcc2T2BJv423oXEMADpu1dqJv4_zd1GcUt-dl_V6MpRw-/s1600/blondie.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="439" data-original-width="429" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj024PdzD2qd6n_TezxsaNo7-pPS9Bd0u368dzNojWK_2lcjZAQyIhkDYwNfkCE2D_TLaLl_bjksGoV9uJackt0595HXrYp8u5mcc2T2BJv423oXEMADpu1dqJv4_zd1GcUt-dl_V6MpRw-/s320/blondie.jpg" width="312" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Tampoco la letra era complaciente. Es más, la popularidad de la canción y su creciente presencia en la radio los obligó a cambiar el verso original “<i>he was a pain in the ass</i>” (él era un dolor en el trasero) por el poético “<i>he had a heart of glass</i>” (él tenía un corazón de cristal). Y así ha perdurado hasta hoy.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
No se trataba de la típica cancioncilla de la chica burlada, que se echaba a morir, pero igual la cantante Debbie Harry lamentaba haberse enamorado de un tipo que simple y llanamente la usaba. “<i>No era muy popular en nuestro círculo, pero realmente queríamos ser impopulares</i>”, aseguraría luego.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
La canción fue escrita en 1974 por la rubia Debbie y el guitarrista Chris Stein, quien luego sería su esposo, cuando compartían un gélido cuartucho en Bowery, New York. La titularon <i>Once I had a Love</i>, y tenía un ritmo lento. En 1978 la grabaron en versión reggae, ya como <i>Heart of Glass</i>, sin saber que así se llamaba una película del alemán Werner Herzog.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Por entonces preparaban el álbum <i>Parallel Lines</i>, y el productor Mike Chapman les sugirió hacerla en disco, un género que fascinaba a la pareja. De hecho, Harry era una fan confesa del italiano Giorgio Moroder, y la banda había versionado en vivo temas de Donna Summers y Patti LaBelle.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Igual tuvieron que vencer reticencias internas: al baterista Clem Burke no le hacía gracia secundar un sonido computarizado, pero lo aceptó a medida que la canción se hacía popular, y eventualmente le cogió el gusto. Es más, se inspiró nada menos que en el tumbao funky del <i>Stayin Alive</i> de Bee Gees.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Más allá de la controversia sobre si los Blondie habían vendido su alma, la canción copó las listas de Estados Unidos y Reino Unido, y disparó la carrera del grupo, gracias también a un videoclip con muchos primeros planos donde una sensual Debbie canta sabiéndose apetecible, pero sin importarle mucho. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Visto en la distancia, aquel enojo con Blondie era tonto: la banda siempre se caracterizó por experimentar con diversas tendencias, y <i>Heart of Glass</i> fue sencillamente su capítulo disco. Además, el <i>punk</i> en Estados Unidos tampoco era serio: en lugar de rebelarse contra el sistema, este le sacaba provecho.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
De hecho, mientras en Reino Unido el <i>punk</i> era visto como una amenaza al <i>status quo</i>, al otro lado del Atlántico domesticaron al género cuyos héroes y seguidores se creían muy malos y rebeldes, cuando en realidad eran apenas unos más (otros) dentro del variopinto saco de lo alternativo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Y Blondie no fue la excepción… ¡Pero qué bien sonaban!</div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-78323501464842859772018-09-23T13:36:00.000-07:002018-09-23T13:36:07.457-07:00Sweet Home Chicago (Robert Johnson, 1936)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/ZEmvBdRLg4k/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/ZEmvBdRLg4k?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Hoy saldaré mi deuda con la persona que inspiró estos textos, un colega cuyos artículos sobre rock hicieron historia en <strong>Prensa Latina</strong>: donde quiera que esté, al maestro Jorge Smith le gustaría leer la historia de <em>Sweet Home Chicago</em>, el clásico del blues que inmortalizó Robert Johnson.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Poco antes de su inesperada muerte, el viejo Smith me hizo prometerle que le pasaría unas canciones de Johnson. Pero entre una cosa y otra lo fui postergando, sin sospechar que pronto mi camarada se iría a escuchar a los padres fundadores del género al Más Allá.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8b0e9NCueWMKAW6tdpJlyUz0ugOW_e2r2wX7orKzbCTLxfK9H-Wu0JvMZOPkmQDUwRvv4Og03F91VpSvpKmddUOnXDus7LzMTFsa0UEO2Zvwte5o8hYD7Bmo-ak_VceAP3iGIcpl3Kjm9/s1600/robert-johnson1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1197" data-original-width="1046" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8b0e9NCueWMKAW6tdpJlyUz0ugOW_e2r2wX7orKzbCTLxfK9H-Wu0JvMZOPkmQDUwRvv4Og03F91VpSvpKmddUOnXDus7LzMTFsa0UEO2Zvwte5o8hYD7Bmo-ak_VceAP3iGIcpl3Kjm9/s320/robert-johnson1.jpg" width="279" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="text-indent: 14.2pt;">De este virtuoso del blues apenas existen un puñado de grabaciones, y las dos más famosas son el</span><span style="text-indent: 14.2pt;"> </span><em style="text-indent: 14.2pt;">Crossroads Blues</em><span style="text-indent: 14.2pt;">, que décadas después revitalizaría Cream con Eric Clapton a la guitarra; y</span><span style="text-indent: 14.2pt;"> </span><em style="text-indent: 14.2pt;">Sweet Home Chicago</em><span style="text-indent: 14.2pt;">, para muchos el blues más famoso y versionado de todos los tiempos.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
El 23 de noviembre de 1936, en la habitación 414 del Hotel Gunter en San Antonio, Texas, Johnson grabó una versión del <em>Kokomo Blues</em>, canción escrita por Scrapper Blackwell, Davis Madlyn y James Arnold. El guitarrista hizo par de arreglos y en vez de Kokomo, ciudad de Indiana célebre por sus semáforos, le cantó a aquel Chicago de gángsters, licor y vodevil.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Los versos de Johnson han propiciado múltiples lecturas, sobre todo por una mención a California que no tiene ni pies ni cabezas. Para algunos, fue solo un error geográfico del autor; otros creen que describe un destino ideal para los negros que huían del racismo y la pobreza sureña; y también se dice que el buen Robert, oriundo de Missisipi, evocaba quizás un viaje a casa de un pariente lejano que vivía en Puerto Chicago, California.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Johnson murió a los 27 años de edad, víctima de un whisky envenenado, y no hay constancia de que alguna vez hubiera ido a Chicago. Sin embargo, la canción se convirtió en un himno de la ciudad, meca del blues eléctrico y cuna de leyendas como Buddy Guy, uno de los grandes que la ha cantado.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Otras estrellas que versionaron <em>Sweet Home Chicago</em> fueron Fletwood Mac, Steve Ray Vaughan, Eric Clapton, The Blues Brothers, B. B. King y hasta el presidente de Estados Unidos, Barack Obama, quien fuera senador por Illinois, el estado que acoge a la Ciudad de los Vientos.</div>
<div class="MsoBodyTextIndent" style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Por cierto, su autor acabó en la miseria, pero <em>Sweet Home Chicago</em> hizo muy rico a <span class="dlink">Stephen LaVere, un empresario californiano que en 1973 logró que una media hermana de Johnson, senil, firmara un documento cediéndole la mitad de las ganancias de la música del legendario “bluesman”. Algunos, para no pagar regalías, alegan que Johnson la tomó de otros…</span> </div>
<div class="MsoBodyTextIndent" style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Tacañerías aparte, nadie cuestiona que Johnson hizo suyo este clásico de fe, anhelo y añoranzas, que ahora sirve para recordar a un gran referente del periodismo cultural en Cuba: el irreverente e inolvidable Jorge Smith.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-84993387467195767002018-09-20T21:12:00.000-07:002018-09-20T21:12:51.713-07:00September (Earth, Wind & Fire, 1978)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/Gs069dndIYk/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/Gs069dndIYk?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Yo
sabía que me gustaría el filme francés Intouchables desde la mismísima
escena inicial, porque sus protagonistas irrumpieron en la trama al
ritmo de <em>September</em>, un
temazo que dispara la adrenalina y lo hace a uno sentirse feliz y bien
arriba, llevado por el embriagante sonido de Earth, Wind & Fire.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"> Y
es que la canción invita, como la película, a saborear la vida, a hacer
que cada minuto cuente, a creer en las buenas vibraciones y dejarse
llevar por ellas, no importa si no las entiendes, lo importante es
sentirla, porque al final, de eso iba el “groove”, y Maurice White fue
su profeta… </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"> Dueño de un falsete del que alardea en <em>Reasons</em> o <em>Fantasy</em>,
White tenía además de voz el carisma necesario para transmitir toda la
alegría que irradia esta canción. Según ha confesado, la idea le vino en
un hotel de Washington DC, tras sentir desde su habitación una especie
de trifulca callejera. </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"> Para
redondearla, y de paso escribir las letras del disco “The Best of
Earth, Wind & Fire”, White convocó a la joven Allee Willis, quien
rezaba porque le saliera alguna canción buena. Por eso cuando llegó al
estudio y escuchó el sabrosón intro de puro funky compuesto por Al
McKay, sabía que tenía que estar a la altura.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"> Según
evocó años más tarde, por entonces White andaba inmerso en las
filosofías orientales y la mandó a leer mucha literatura esotérica, y
entre una cosa y otra salió la célebre pregunta del primer verso: “Do
you remember, the 21st night of September?” (¿Recuerdas la vigésimo
primera noche de septiembre?)</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"> Ahora
bien… ¿qué pasó el 21 de septiembre? Pues nada en particular,
simplemente era la única fecha que sonaba bien. La pobre Willis, para
ella cada frase, cada verso debía significar algo, tener un sentido.
Incluso quería quitarle el “ba-da-ya” y preguntaba: “¿Pero qué demonios
significa eso?” y White le respondía: “¿A quién diablos le importa? Se
siente fantástico y eso es lo que recordará la gente. Así se queda”.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"> Al
final aprendió que para Maurice White, ninguna letra podía interferir
en el “groove” de la canción. Y por eso Earth, Wind & Fire es
inmortal. Según expertos en teoría musical, el poder de la banda –amén
de su proyección- estaba en que sus temas te hacían bailar sin cansancio
y sentir ganas de más.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"> Una curiosidad: la canción se llama <em>September</em>
(septiembre) porque sí, pues incluso fue grabada en noviembre. Tras su
lanzamiento como single copó la categoría de rythm&blues de la
Billboard y alcanzó el octavo puesto en las carteleras estadounidenses, y
el tercer lugar en Reino Unido. </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"> En
Cuba también gustaron mucho, faltara más, y fueron parte de esa fiebre
disco que se vivió aquí como se pudo, y que de cierta manera revivieron
años después los pepillos de entonces cuando Kool & The Gang hizo
salir el sol en una invernal tarde habanera de diciembre…</span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-72793746055539350392018-09-05T10:35:00.001-07:002018-09-05T10:35:33.191-07:00Barcelona (Freddie Mercury y Montserrat Caballé, 1988)<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Mucho
antes de convertirme en el “friki” que soy, recogiendo café en las
frías lomas del Escambray, escuché en un radiecito de pilas que había
muerto de SIDA un tal Freddie Mercury. Aquel nombre entonces no me decía
nada, pero pronto comencé a venerarlo, por culpa de <em>Barcelona</em>…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Y
es que los Juegos Olímpicos que armó la Ciudad Condal no solo fueron
los más espectaculares por el pebetero encendido a tiro de flecha, las
palizas del Dream Team, la cosecha dorada de Vitali Shcherbo o el
utópico quinto lugar por países que ganó Cuba, sino por su canción
oficial, una ópera-rock interpretada a dúo por Mercury y la soprano
catalana Montserrat Caballé.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Esta
oda a la amistad, que refleja la admiración mutua entre Freddie y la
Monste, materializó un viejo sueño del ya por entonces mítico vocalista
de la banda Queen, responsable de clásicos como <em>Bohemian Rhapsody</em>, <em>Somebody to Love</em>, <em>We Will Rock You</em> o <em>I Want To Break Free</em>, entre muchos más.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Resulta
que Freddie, dueño de un impresionante registro vocal y amante de la
ópera, quedó prendado de la Caballé desde que la escuchó interpretar el <em>Un Ballo in Maschera</em>
de Verdi en el Royal Opera House de Londres, en 1981. Años después, en
España, confesó a la televisión local su admiración por la barcelonesa,
ella lo escuchó y le propuso hacer algo juntos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Jim
Beach, manager del británico, arregló el anhelado encuentro en el Hotel
Ritz, justo cuando Mercury buscaba ideas para su segundo proyecto en
solitario. Al principio Freddie creía que harían una canción o un dúo,
pero la Montse le preguntó cuántas canciones tenía un disco normal de
rock´n´roll, y le propuso hacer 10 temas juntos. “Es increíble… ¡Voy a
hacer ópera! ¡Fuera el rock´n´roll!”, evocaba el cantante.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Sus
apretadas agendas apenas le dieron un margen de tres días para crear,
pero la química fue inmediata, Freddie quedó cautivado por la
personalidad de la soprano y la libertad que le inspiró para componer. El
músico le puso el corazón y todas las fuerzas que le quedaban a su
cuerpo, minado ya por los estragos de su terrible y casi desconocida
enfermedad.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
En
octubre de 1988 sale al mercado el disco Barcelona (Polydor), con gran
protagonismo de una ópera con tendencia al glam rock y un pop de
alcurnia, pero sobre todo con una poderosa y conmovedora canción
inicial, que no importa cuántas veces escuche, siempre consigue
estremecerme de emoción.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Y
estremece por muchas razones. Porque ya Freddie se sabía condenado, y
en lugar de echarse a morir nos legó el testimonio inapelable de que
ningún cantante de rock tuvo una voz como la suya. Porque vocalmente
empastó de maravillas con una monumental intérprete a la que idolatraba,
pero que llegó a ser su amiga y confidente. Por ese mágico final en que
la Montse nos eleva con un crescendo melódico a un cielo donde Freddie
nos pega el tiro de gracia con un magistral “¡Barcelona!” que desata un
arrebato de campanas…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Le
presentaron una maqueta de la canción al alcalde Pascall Maragall, y el
Comité Olímpico Español la eligió himno oficial de la cita. El dúo la
cantaría en la apertura, pero Fredie murió ocho meses antes, el 24 de
noviembre de 1991, un día después de hacer pública su enfermedad, con
apenas 45 años.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Al morir Mercury se buscó otra canción y así llegó <em>Amigos para Siempre</em>, bonita pero inferior a <em>Barcelona</em>.
Se dice que su compositor, el afamado autor Andrew Lloyd Webber, puso
como condición que una ex suya, la soprano Sarah Brightman, fuera la
elegida para cantarla con el español José Carreras.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/Y1fiOJDXA-E/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/Y1fiOJDXA-E?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Sin
embargo, la alcaldía barcelonesa incluyó una cláusula en los contratos
televisivos de los Juegos: cada transmisión o retransmisión debería
abrir y cerrar con <em>Barcelona. </em>Hermosotributo a una ciudad, un espíritu y un artista cuyo epílogo fue como su vida: deslumbrante, sobrecogedor, inmenso…</div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-60739678635035660202018-08-16T19:16:00.000-07:002018-08-16T19:16:46.277-07:00Respect (Aretha Franklin, 1967)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/OD3WOKLTRyQ/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/OD3WOKLTRyQ?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="fullNewsIntrotext">
La muerte de Aretha Franklin sacudió a medio mundo que estuvo pendiente del inevitable adiós de la Reina del Soul, y la despidió con lo
que mejor pidió: respeto.</div>
<br />
<br />
<div class="fullNewsFulltext">
Los últimos días
de la pasional intérprete tuvieron una cobertura periodística a ratos
morbosa, aunque más inspirada en la grandeza de quien estaba por partir,
que por las ganas de contar una mala noticia, por mucho que repercuta. Finalmente, Franklin falleció tras una larga batalla contra el cáncer,
que se la llevó con 76 años de edad y una figura distante de la bella
robustez de 'big mama' sureña, de mujer fuerte y capaz, que exigía,
merecía y recibía respeto.<br /><br /> De hecho, entre los pasajes más
emblemáticos en la historia del 'rock 'n roll' quedará su potente voz
deletreando 'R.E.S.P.E.C.T.' en el <a href="https://www.youtube.com/watch?v=7BDw-H_hUzw" target="_blank">clásico homónimo que compuso el gran Otis Redding</a>, pero que ella hizo suyo y cantó como nadie. Redding, más conocido por su conmovedor '<a href="https://www.youtube.com/watch?v=Es3Vsfzdr14" target="_blank">(Sittin' on) the dock of the Bay</a>', compuso y grabó 'Respect' en 1965, como el reclamo de un hombre
trabajador y proveedor que al llegar a casa espera, cuando menos, algo
de respeto.<br /><br /> 'Me tomó todo un día escribirla y unos 20 minutos
componerle un arreglo, y de una vez salió. Es que todo el mundo quiere
ser respetado', comentó el malogrado cantante poco antes de morir en un
accidente de aviación, en 1967.<br /><br /> Justo ese año la versionó
Aretha, quien le agregó estribillo y un puente que no tenía: se valió
del solo de saxofón ejecutado por King Curtis para el tema 'When
Something Is Wrong With My Baby,' de Sam and Dave para Stax Records.<br /><br />
La propia Aretha tocó el piano en su versión, sus hermanas Carolyn y
Enma la apoyaron con el coro, y la grabación contó con la emblemática
sección rítmica de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=FNGtfpim0OM" target="_blank">los Muscle Shoals</a>, quienes pronto ganarían fama
mundial como músicos de sesión.<br /><br /> La grabación ocurrió un Día de
San Valentín, en el estudio del sello Atlantic en Broadway: Aretha tenía
entonces 24 años y llegó desde Detroit, cuna del sonido Motown,
decidida a cantarle al mundo cómo concebían las mujeres el respeto.<br /><br />
En esencia, la versión de Aretha le viró la tortilla al reclamo de
Redding: si quieres ser tratado con admiración y respeto, tienes que
ganártelo, pero no solo como proveedor, si no como esposo.<br /><br /> El
productor Jerry Wexler contaría luego que el fervor en la voz de Aretha
demandaba un respeto concebido como atención sexual de nivel, idea
reforzada por el verso 'TCB', acrónimo de 'Taking Care of Business'
(ocuparse de sus asuntos).<br /><br /> Sin embargo, Aretha negó tales
implicaciones sexuales en una entrevista con la revista Rolling Stones
en 2014, y de hecho, coronó una década contracultural de mucha
reivindicación sexual, pero también social, racial y de género.<br /><br />
Hasta la eclosión de 'Respect', Etta James era venerada como la Reina
del Soul y jamás pudo recuperar su trono, aunque lo intentó: es más,
ella también versionó una canción de Redding ('<a href="https://www.youtube.com/watch?v=Puqn3egDmoQ" target="_blank">Security</a>'), pero despertó
poco interés.<br /><br /> Aretha Franklin se fue, pero dejó vigorosas
canciones que nunca resolverán los problemas de la gente, pero sí que
ayudan a enfrentarlos: empieza respetándote a ti mismo, y eventualmente
los demás también lo harán.</div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-43983944031593212472018-06-10T08:40:00.000-07:002018-06-10T08:40:05.419-07:00Seven Nation Army (White Stripes, 2003)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/0J2QdDbelmY/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/0J2QdDbelmY?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Se viene el </span><span style="font-size: 12pt; text-indent: 14.2pt;">Mundial, que como todos sabes, siempre es mucho más que fútbol. Si ha seguido las citas previas y otros torneos internacionales, entre relatos y emociones desbordadas, quizás identificó un recurrente rugido melódico en las tribunas, neo-cántico futbolero del siglo XXI que dejó obsoleto al “olé, olé, oleeee” de siempre, y nos recuerda que gran clásico es el Seven Nation Army de White Stripes.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Si no está familiarizado con este tema, le advierto que este sui generis éxito de carteleras tiene la rara característica de que su estribillo es un fenomenal riff de guitarra eléctrica, que se consagró como canto deportivo de guerra cuando Italia conquistó la Copa Mundial de fútbol Alemania-2006.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Pero no fueron los tifosi (hinchas de Italia) quienes primero adoptaron el trepidante single del disuelto dúo de Jack y Meg White. Todo comenzó el 22 de octubre de 2003, en pleno apogeo del tema, cuando seguidores del Brujas belga vencieron 1-0 como visitantes al AC Milan en el Giuseppe Meazza.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Tres años después, el club belga encaró a la Roma en la Copa UEFA, y sus fieles rompieron nuevamente a cantar la ya para entonces canción insignia de los White Stripes. El capitán del equipo romano, Francesco “Il Pupone” Totti, se enamoró de la melodía, y ese mismo año lo cantaban en toda Italia.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Así, cuando la Squadra Azurra se coronó en Alemania venciendo a una Francia fuera de juego tras la expulsión de Zinedine Zidane, los seguidores de Italia se quedaron felizmente roncos cantando su nuevo himno, poniéndole al estribillo la letra que no tenía: “siamo campioni del mooooondo”.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Al regresar a Italia, Totti puso a cantar la versión triunfal a medio millón de fans, y en un concierto de los Rolling Stones, subió al escenario junto a sus compañeros Alessandro Del Piero y Marco Materrazzi para entonarla. Y los Stones, que son ingleses pero socios de Jack White, se prestaron.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Al respecto, el autor consideró “muy hermoso que las personas adopten una melodía y la permitan entrar en el panteón de la música popular: como compositor es algo imposible de planear”, afirmó. Actualmente, otros equipos hicieron suya esta canción, cuyo título obedece a un malentendido.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Ocurre que de niño, Jack White oía hablar del “Salvation Army” (Ejército de la Salvación, un movimiento evangélico) y entendía “Seven Nation Army” (Ejército de Siete Naciones). Sin embargo, al crecer se percató que podía salir una buena canción de aquel error de interpretación. Y vaya si salió buena…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">El conocidísimo solo de guitarra salió jugueteando, durante la prueba de sonido previa a un concierto en Melbourne. De entrada parece de un bajo, pero los White Stripes (Jack en la guitarra, Meg batería) no usaban ese instrumento. Fue una grabación casi artesanal, a la antigua, sin emplear ordenadores.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">Esta canción abre Elephant (2003), cuarto disco de la banda, y fue el single promocional gracias a la insistencia de Jack, porque la disquera quería vender el disco con “There’s no home for you here”. No solo vendió el álbum como pan caliente, sino que catapultó al grupo y fue un éxito de ventas y crítica.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-size: 12pt;">De hecho, la revista Rolling Stones escogió a “Seven Nation Army” como la segunda major canción del siglo XXI, aunque hoy día es la número uno en el apasionante, emocionante y supernatural mundo del fútbol, donde algunas selecciones lucen tan fuertes, que ni siquiera un ejército de siete naciones podría frenar…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-76256738310691136962018-05-29T13:57:00.002-07:002018-05-29T13:57:53.571-07:00¿Tiene clásicos el reguetón?<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Por favor, léase el artículo antes de excomulgarme, aunque sospecho que la mayoría de mis lectores habituales ya respondieron al título/pregunta con un categórico “¡NO!”. Y los comprendo, pero tampoco sería justo condenar al género solo porque abunden los arreglos cansinos y la bazofia lírica…</span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Ningún género es bueno o malo </span><span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><em>per se</em></span><span style="font-family: "Times New Roman", serif;">. Abundan los casos de bolerones insulsos, trovas infumables, sinfonías vacías, jazzeos pedantes, cancioncillas retontas y falsos profetas del pop. Sin embargo, nadie arremete contra esos géneros con la saña bíblica con que se ataca al reguetón.</span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">El difunto Juan Formell -cuyo buen gusto musical nadie en su sano juicio osaría cuestionar- alabó la originalidad de intérpretes como El Misha, y consagrados como Gilberto Santa Rosa o Marc Anthony se aliaron al género urbano, atraídos por sus potencialidades rítmicas.</span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><strong>LOS ICONOS DEL “REGGAE GRANDE”</strong></span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">El término reguetón, acuñado en 1988 por el productor panameño Michael Ellis, significa “reggae grande”. Sus orígenes se remontan 40 años atrás, al reggae que cantaban en español los descendientes de los emigrantes jamaicanos que trabajaron en la construcción del Canal de Panamá.</span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Tal fue la inspiración del Padre del Regetón: Edgardo Franco, alias El General. Sus canciones fusionaban pelvis y sacudieron toda Latinoamérica a golpe de “Tu Pum Pum”, “Te Ves Buena” o “Muévelo”, quizás los primeros himnos de este género que nació en Panamá, pero despegó en Puerto Rico.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/NNWRCWkRr84/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/NNWRCWkRr84?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">En la escena boricua el pionero fue Luis Armando Lozada, conocido como Vico C. Su single “Bomba para afincar” (1991) es considerado el primer hit de reguetón en Puerto Rico. Su obra incluye otros clásicos de más dura impronta rap, como “Jason”, “Tony Presidio” o “Explosión”.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/r2dvMXQnDmo/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/r2dvMXQnDmo?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Quizás el reguetonero más influyente ha sido Ramón Luis Ayala, Daddy Yankee. “La Gasolina”, incluida en el disco Barrio fino (2004), hizo del reguetón un fenómeno global y abrió el camino a futuras estrellas.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/5tIIo4VH4Ow/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/5tIIo4VH4Ow?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Entre esas sobresalió William Omar Landrón, o simplemente Don Omar, quien se consagró en 2003 con el sencillo “Pobre diabla”. </span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/JR9UC9l2WW4/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/JR9UC9l2WW4?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Otro referente es Tegui (Tego) Calderón, ex-baterista de una banda de rock que legó el álbum de culto “El Abayarde”. Con clásicos como “Métele Sazón”, Tego canta a la clase trabajadora, y su lírica es divertida, pero enjundiosa.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/48c7Y_MUHWQ/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/48c7Y_MUHWQ?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Algo antes sonó el proyecto Cuentos de la Cripta con su letánico “El gato volador”, en tanto Héctor y Tito pegaron con “Felina”, antes de que llegaran Wisin y Yandel con hits como “Por mi reggae muero” y “Rákata”.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/q-Z_YkKtOhs/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/q-Z_YkKtOhs?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Pese a la misoginia imperante en las letras, las mujeres también se apropiaron del reguetón, siendo Martha Ivelisse Pesante (Ivy Queen), la reina del género. Su mayor éxito fue “Quiero bailar” (2005).</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;"><br /></span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; text-indent: 0.5cm;">Mucha gente dice que no soporta el reguetón, pero les gusta Calle 13, ese irreverente dúo integrado por René “Residente” Pérez y Eduardo “Visitante” Cabra, quienes arremetieron contra todo estereotipo desde su “Atrévete-te-te”, primero de múltiples éxitos irreverentes, originales e inteligentes.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; text-indent: 0.5cm;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/vXtJkDHEAAc/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/vXtJkDHEAAc?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; text-indent: 0.5cm;"><br /></span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="line-height: 16px; margin-bottom: 0cm; text-indent: 0.5cm;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif;">Sin embargo, tales propuestas son la excepción y no la regla en un género desprestigiado por sus propios “defensores”: se ha impuesto la vulgaridad, la pose, el arreglo facilista y el texto tonto. En resumen, el villano no es el reguetón, si no el mediocre que lo canta, la industria que lo vende y el público que legitima cualquier bodrio que lo ponga a “perrear”.</span></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-46224901456001432442018-05-13T18:09:00.000-07:002018-05-13T18:09:44.052-07:00Sweet Home Alabama (Lynyrd Skynyrd, 1974)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/6GxWmSVv-cY/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/6GxWmSVv-cY?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Demasiados –e injustos- estigmas ha cargado la que sin duda alguna es la canción insignia del rock sureño, el mítico Sweet Home Alabama de Lynyrd Skynyrd, todo un alegato contra prejuicios y generalizaciones, amén de ser musicalmente un clásico desde el “one, two, three” con que abre.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">De entrada, el tema respondía a las canciones Southern Man y Alabama, del legendario Neil Young, cuyas letras dejaban la errónea impresión de que todos los sureños eran unos lerdos racistas, segregacionistas amantes del Ku Klux Klan y sus cruces ardientes, tan solo por su pasado esclavista.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">De ahí que, en sus versos, los Skynyrd le aclararan explícitamente a Neil que los sureños no lo necesitaban para conocer sus defectos. Es más, decían, al Norte se daban escándalos como Watergate y abajo no juzgaban a su gente por las miserias de políticos y gobernantes.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">A partir de esta estrofa se quiso construir una supuesta rivalidad entre el bardo canadiense y la banda oriunda de Jacksonville, pero ambos admiraban sus respectivas obras, y Ronnie Van Zant, vocalista y líder de los Skynyrd, solía usar una camiseta del disco “Tonight`s the Night”, de Young. Además, cuando Van Zant y otros miembros del grupo murieron en un accidente aéreo en 1977, el propio Neil cantó Sweet Home Alabama en el funeral.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Otro fragmento de la canción que generó polémica habla del supuesto amor que sienten en Birmingham por el gobernador, a la sazón el notorio segregacionista George Wallace, un verso evidentemente sarcástico, como lo confirma el coro de abucheos que remata la frase.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Igual, la costumbre del grupo de identificarse con la bandera confederada y el hecho de que Wallace los nombrara teniente coroneles honorarios de la milicia estatal hizo que muchos se hicieran una idea equivocada de una banda que siempre se opuso públicamente a tales políticas racistas.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Volviendo a la letra, el grupo también rinde tributo a Muscle Shoals, una diminuta localidad de Alabama mundialmente célebre por sus estudios de grabación y por el peculiar sonido que lograban sus ingenieros y su sección rítmica de músicos de apoyo, anónimos responsables de miles de éxitos.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Los Swampers, como conocían a aquellos músicos de sesión, tuvieron fe en los Skynyrds cuando aún eran desconocidos, y un reciente documental reveló que el rock sureño nació en los estudios de ese pueblito, cuando Duane Allman y Wilson Pickett versionaron el “Hey, Jude” de los Beatles.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Sweet Home Alabama abre “Second Helping”, segundo disco del grupo, producido por Al Kooper en el Studio One de Georgia. La voz que hace el célebre conteo inicial es del bajista Ed King, y el “turn it up” que se escucha luego es de Van Zant, pidiéndole a Kooper y al ingeniero Rodney Mills que le subieran la referencia, sin saber que lo estaban grabando.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">El tema fue compuesto en 1973, mientras grababan su álbum debut, Pronounced<b><i> </i></b>'lĕh-'nérd 'skin-'nérd. El guitarrista Gary Rossington tuvo la idea, King compuso el emblemático riff de guitarra –según él, las notas le vinieron en un sueño- y Van Zant escribió la letra. Sin embargo, la canción les pareció demasiado potente para incluirla en un disco que ya cerraba con el magistral Freebird, así que la reservaron para abrir por lo alto el siguiente.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Además, esta fue la primera canción de los Skynyrds que usó coros femeninos, aunque sus miembros nunca conocieron a las integrantes del trío Sweet Inspiration, porque ellas grabaron su parte en California.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-size: 12pt;">Antes de lograr su status de himno, la canción alcanzó el puesto ocho en las listas de éxitos de Estados Unidos, y consolidó a Lynyrd Skynyrd como una banda abanderada del rock sureño. La trágica muerte de algunos de sus miembros apenas tres años después alimentó su leyenda, y desde entonces no hay recopilatorio o tributo donde no se le cante a “Sweet Home Alabama, where the skies are so blue…”.</span></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-14648705726880522532018-05-06T06:41:00.000-07:002018-05-06T06:41:29.890-07:00Chorando se foi (Kaoma, 1989)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/iyLdoQGBchQ/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/iyLdoQGBchQ?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Vista un cuarto de siglo después, uno se pregunta qué tanto escandalizaba la lambada, si cosas peores se cantan y bailan hoy en día… Aquel acople de pelvis que solo se rompía para mostrar muslos femeninos en indiscretos giros se nos antoja ahora sensualidad ingenua… ¡pero qué furor causó!</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
La lambada sacudió cinturas por todo el mundo el verano de 1989, gracias a una banda de emigrados brasileños y caribeños radicados en Paris, que sin encomendarse a nadie tomaron una canción del grupo boliviano los Kjarkas y se hicieron famosos con el tema “Chorando se foi” (Llorando se fue).</div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Kaoma, liderado por la vocalista carioca Loalwa Braz, incluyó el tema en su disco Worldbeat y el resultado fue apoteósico: cinco millones de copias vendidas, primer lugar en 11 países, es la canción brasileña más conocida de todos los tiempos, y además desató una verdadera fiebre.</div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Aquel acordeón entre nostálgico y sentimental quedó inmortalizado por los de Kaoma, que más nunca lanzaron nada medianamente bueno, y tampoco pudieron disfrutar demasiado de su éxito, porque acabaron en los tribunales con una demanda de plagio interpuesta por los mencionados Karjkas.</div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
El legendario conjunto folclórico andino había compuesto “Llorando se fue” en 1981 y la incluyó en su Canto a la mujer de mi pueblo. Aquella saya afroboliviana gustó tanto que muchos grupos lo sumaron a su repertorio, y los hermanos Gonzalo y Ulises Hermosa decidieron registrarla ante la Sociedad Alemana de Músicos y Autores (GEMA) en 1985. Luz larga que tuvieron…</div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Para 1990 la canción de marras había sido traducida a 42 idiomas, incluido el portugués, popularizada en Brasil por Marcia Ferrerira, en 1986, a partir de la versión que grabó el Cuarteto Continental de Alberto Maravi en tiempo de cumbia, en 1984, la primera que usó el emblemático acordeón.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Kaoma fusionó la propuesta de Ferreira –co-escrita con José Ari- con los arreglos del peruano Maravi, y así nació el “Chorando se foi” que todos oímos, bailamos y ahora recordamos. El resultado fue muy bueno, tanto que aún hoy gusta, pero fallaron en preferir pedir perdón que permiso.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Escándalo aparte, en todos quedó la lambada gracias también a su video, filmado en una playa de Bahía, con la participación del dúo infantil de Chico y Roberta. A la gente le gustó aquella pareja del mulatito y la rubiecita que bailaban como adultos, aunque al padre de ella no le hiciera gracia.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
La locura de la lambada –similar a la que desatarían años después bailes como la Macarena o el Aserejé- también llegó a la gran pantalla con la cinta Baile prohibido, cuya banda sonora incluía la versión de Kaoma.</div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
En Cuba la lambada también impactó: no había niña que no tuviera su saya de vuelitos, ni varón que no aprendiera a dar vueltas inclinándose adelante y atrás rítmicamente. Hay quien todavía canta el estribillo en ruso, porque a una profesora de la universidad se le ocurrió traducirla para enseñar el idioma.</div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
En los últimos años, el conocido pasaje de acordeón ha sido usado como “sample” en éxitos del pop, como en el “Taboo” de Don Omar, o en el “On the Floor” de Jennifer López y Pitbull, quienes tuvieron el buen tino de darle crédito a los hermanos Hermosa. Por si acaso…</div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-84991643652689726592018-05-01T17:11:00.000-07:002018-05-01T17:11:10.067-07:00Pedro Navaja (Rubén Blades, 1978)<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/k62zZBeevWQ/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/k62zZBeevWQ?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">“Nada me hubiera gustado en este mundo como haber podido escribir la
historia hermosa y terrible de Pedro Navaja...”<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">Tal confesión no es de ningún aspirante a compositor, salsero de segunda
o chupatintas con ínfulas: lo afirmó, sin sombra de ironías, nada menos que
Gabriel García Márquez cuando el panameño Rubén Blades le telefoneó para
decirle que quería musicalizar algún cuento del Nobel colombiano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">Es que Pedro Navaja es un tema imprescindible dentro de ese monumental
disco que es Siembra, exponente supremo de la salsa consciente, que habla de la
fina línea que cotidianamente separa la vida de la muerte, y lo vulgar que
puede llegar a ser en ciudad con 8 millones de historias, como es New York.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">Cuando salió el tema, los jerarcas de la empresa Fania pusieron el grito
en el cielo, y el empresario Jerry Masucci lo calificó de una afrenta al
bailador, tanto por su duración (7:21 minutos) como por su dura temática
urbana: la gente quería evadirse, no “bailar” su cruda realidad. Parecía un
fiasco…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">Sin embargo, aquel álbum de culto grabado por Blades con el trombonista
Willie Colón los consagró a ambos, y vendieron 25 millones de copias por todo
el mundo, siendo indiscutiblemente el gran clásico de la salsa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">La intención social estaba en sus raíces: Blades, que además de cantante
y actor es abogado, se inspiró en la canción Mackie Messer de Bertold Bretch
para narrar cómo se matan un guaposo y una prostituta en una ciudad que ni se
inmuta con tanto crimen cotidiano, que si acaso oxigena el mal ambiente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">La construcción de la historia y los personajes demuestran que el Gabo
no andaba en lisonjas baratas cuando “envidiaba” la gran crónica que es Pedro
Navaja: desde que Blades cuenta que por la esquina del viejo barrio lo vio
pasar, hasta que el borracho se pierde por el callejón, como en una novela de
Kafka, la trama mantiene un ritmo narrativo tan subyugante como el musical.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">El clásico hace un guiño al musical West Side Story, de Lenny Bernstein,
con un amargo “I like to live in America” matizando el coro que deviene la
moraleja del cuento: la vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida, ay Dios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">Una sorpresa que nadie se esperó es que siete años después Rubén Blades
resucitara al matón del diente de oro, irritado porque la Fania no le consultó
la venta de sus derechos para filmar la película Pedro Navaja (Rosas Priego,
1984). En “Sorpresas”, incluida en el álbum Escenas, Blades le da un giro a la
historia, sugiriendo que Pedro Navajas sigue vivo, tras asesinar al borracho la
noche fatal y hacerlo pasar por él, para desaparecer un tiempo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">Al respecto, confesó que “Sorpresas” fue una canción que le dolió hacer,
pues nunca quiso una segunda parte, pero el ego, el orgullo y cierta guapería
de barrio lo empujaron a demostrarles a los empresarios que el personaje era
suyo. Con esa vuelta de rosca, el filme quedó en ridículo. Tampoco abundan las
versiones de Pedro Navaja, salvo algunas piezas teatrales y musicales, uno de
ellos interpretado por Gilberto Santa Rosa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-SV;">Rubén Blades ha legado personajes como Pablo Pueblo, Adán García, el
padre Antonio y su monaguillo Andrés, Ligia Elena o Paula C, pero ninguno goza
la fama de su Pedro Navaja, por la fuerza de este clásico y porque todos alguna
vez hemos visto a esos Pedro Navajas, con el tumbao que tienen los guapos al
caminar…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<br />Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-81076219218389802972018-04-23T18:24:00.002-07:002018-04-23T18:36:01.293-07:00Learn to Fly (Foo Fighters, 1999)<pre style="word-wrap: break-word;" wrap=""><div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/JozAmXo2bDE/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/JozAmXo2bDE?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;">
</span>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 0cm;">Dave Grohl no necesitaba que mil músicos italianos interpretaran en vivo su clásico Learn to Fly para hacerse famoso, pero sin dudas la idea más loca de Fabio Zaffagnini le vino de maravillas: casi 26 millones de internautas han visto el espectacular tributo a este himno de los Foo Fighters en tres meses.</span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;"> Durante un año, Zaffagnini organizó el evento Rockin 1000 para invitar a Grohl y compañía a dar un concierto en Cesena, Italia, y el resultado fue algo contundente, una sinfonía tan sincronizada, alegre y apasionada, que acabó conmoviendo al mismísimo Dave. Funcionó, de hecho…<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;"> En otro video, que también se volvió viral, Grohl agradeció el gesto y dijo que pronto se presentarían en Cesena ante unos seguidores que, como pide la canción de marras, indudablemente han aprendido a volar…<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 0cm;"> “Italia no es un lugar donde los sueños se hacen realidad fácilmente, pero es una tierra de pasión y creatividad”, señaló Zaffagnini, que logró emocionar a un músico que, en teoría, estaba curado de</span></div>
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;"><div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; text-indent: 0cm;">espanto. </span></div>
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 0cm;"> Recordemos que Grohl fue el batería de Nirvana… ¿Qué no habrá visto? Pero sin dudad Learn to Fly era el tema ideal para acometer esta aventura, ya sea porque no es muy complejo de interpretar,</span></div>
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;"><div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; text-indent: 0cm;">porque fue el primer gran éxito de Foo Fighters, o porque invita a buscar inspiración en la vida…</span></div>
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 0cm;"> “La canción va sobre la búsqueda de cualquier señal que te haga sentir vivo, pero es una de las canciones que menos me gustan de ese disco”, ha confesado Grohl. No sé por qué, pero muchos</span></div>
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;"><div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; text-indent: 0cm;">artistas suelen decir eso de sus creaciones más populares. Y la verdad, Dave, no deberías quejarte de esta…</span></div>
<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;"> De hecho, el primer single del álbum There Is Nothing Left to Lose, lanzado en 1999, llevó a los Foo Fighters al puesto 19 del Billboard Hot 100, y además encabezó ese año las listas de rock moderno en Estados Unidos.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;"> Ayudó mucho el peculiar video dirigido por Jesse Peretz, una parodia de la comedia Airplane, conocida en Cuba como ¿Dónde está el piloto?. En el mismo, Grohl y sus compañeros de banda Nate Mendel y Taylor Hawkins asumen varios personajes en un hilarante caos aéreo, que le valió al grupo el primero de sus 10 premios Grammy, al Mejor Video Musical. </span><span style="font-family: "courier new"; font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<span style="white-space: pre-wrap;">
</span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center; white-space: pre-wrap;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/1VQ_3sBZEm0/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/1VQ_3sBZEm0?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<span style="white-space: pre-wrap;">
</span><div class="MsoNormal" style="text-align: center; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt; text-indent: 0cm;"> </span><span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt; text-indent: 0cm;">De entonces acá, los Foo Fighters –que significa cazadores de OVNI- son quizás la banda de rock más sólida y exitosa del siglo XXI, capaz de gustarle lo mismo a la crítica más ácida que al pichón de friki. Cada vez que sacan un disco se llevan el Grammy a Mejor Álbum de Rock, y se prestan para causas sociales y aventuras musicales con igual pasión.</span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 0cm; white-space: pre-wrap;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif; font-size: 12pt;"> Han demostrado, además, que el rock contemporáneo todavía tiene cosas que decir, aunque a ratos parezca que todo es un mal remedo del pasado, que nada hay nuevo bajo el sol del rock ‘n roll, que solo lo viejo es clásico… La vida es siempre más rica. Y la buena música también.</span><span style="font-family: "courier new"; font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="white-space: pre-wrap;">
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="white-space: pre-wrap;">
<div style="text-align: justify;">
</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="white-space: pre-wrap;">
</span></div>
</pre>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-22460775679348132702018-04-14T07:33:00.000-07:002018-04-14T07:33:12.269-07:00Aquarius/Let the Sunshine In (5th Dimension, 1969)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/OmBEa-R45hU/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/OmBEa-R45hU?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Despierto con la triste noticia de que murió Milos Forman, no porque fuera familia mía, si no porque le debemos una película que nos marcó muchos: <i>Hair</i>. Como solo nos queda el arte, les cuento la historia del “medley” que identifica aquella psicodélica ópera rock. Hablamos de </span><em><span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Aquarius/Let the Sunshine In</span></em><span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">, fusión que captó el alma de una época marcada por sueños de paz, amor y libertad…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Ingenua y hermosa, como toda utopía, la filosofía hippie que destila este himno de los 5th Dimension nos pinta el amanecer de la Era de Acuario, que reemplazaría el virulento reinado de Piscis, justo cuando la luna entre en la séptima casa y Jupiter se alinee con Marte. Aquellos soñadores que hacían el amor y no la guerra en la década de 1960, creían firmemente que esos años de contracultura eran los elegidos, aunque los astrólogos fijaron la regencia acuariana entre los años 2062 y 2680.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">A la poesía, sabido es, nunca le han importado demasiado las verdades frías, si no las esencias. Por eso los seguidores del “flower power” adoptaron como un himno este clásico escrito para el filme de Forman por James Rado y Gerome Ragni, y musicalizado por Galt MacDermont.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Desde su lanzamiento como sencillo en 1969, la canción escaló la cima de las carteleras, manteniéndose seis semanas en lo alto de la Billboard. Al año siguiente ganó el Grammy a Mejor Grabación y Mejor Interpretación Vocal para un Grupo de Pop, justo reconocimiento a quienes fueron considerados como la versión afrioamericana de los Mamas & The Papas.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">¿Cómo llegaron los 5th Dimension a <em>Hair</em>? A través del productior Bones Howe, quien hizo de ingeniero en su álbum debut (<em>Up-Up and Away</em>, 1967) y tras el legendario Festival de Monterrey le pidieron expresamente encargarse de <em>Aquarius</em>. Fue idea de Howe agregarle el <em>Let the Sunshine In</em>, con un arreglo vocal que le exigió virtuosismo al quinteto integrado por Billy Davis, Florence LaRue, Marilyn McCoo, Lamonte McLemore y Ronald Townson, quienes por entonces trabajaban en Las Vegas con Frank Sinatra. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Cuentan que esa canción era radiada en Cuba con cierta frecuencia en el programa Nocturno, de Radio Progreso, y en la desaparecida emisora Liberación. Quizás por su mensaje pacifista, quizás por su melodiosidad. A su vez, </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">los combos de entonces no se atrevían a montarla, porque era una canción de fuerte impronta coral y arreglos complicados. Aún así, varios lectores confirman que, al igual que <em>San Francisco</em> o <em>California Dreamin’, Aquarius/Let the Sunshine In </em>era uno de los temas insignias para aquellos hippies cubanos. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">De vuelta en la escena internacional, desde su misma irrupción la canción caló profundamente en la cultura popular. Voces consagradas como Donna Summer o Diana Ross se apresuraron en versionarla; el gran científico Carl Sagan la incluyó en un episodio de su serie Cosmos; y la nacionalista hinchada de Argentina adoptó el coro “let the sunshine” como cántico para apoyar a su adorada selección albiceleste de fútbol.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Salvo por el frenesí final, esta es una canción que transmite mucha paz, y nos transporta a un pasado de inocencia y candor, o tal vez a un futuro en que las utopías puedan dejar de serlo, para convertirse en realidad. Tal vez en la Era de Acuario…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-72221169973086680942018-04-12T08:19:00.000-07:002018-04-12T08:19:43.383-07:00Los Músicos de Bremen (Soyuzmultfilm, 1969)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/J3SPRpQU8uc/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/J3SPRpQU8uc?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="text-indent: 14.2pt;">Mi hijo, no contento con alegrarme la existencia día a día, encontró otra manera de hacerme uno de los tipos más felices del mundo, pues de la sarta de animados musicales que ha visto en sus cuatro años de vida, siempre vuelve a un viejo clásico de los muñequitos rusos: </span><em style="text-indent: 14.2pt;">Los Músicos de Bremen</em><span style="text-indent: 14.2pt;">.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Comprendo que el instinto inicial de algún lector sea pensar “¡Qué clase de abusador es el Charly este!”, pero lo perdono. En un final, alguna que otra vez todos despotricamos de aquellos muñequitos de palo, más por fastidio que porque se lo merecieran, pues el tiempo demostró que eran clásicos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="text-indent: 14.2pt;">Fíjense si lo eran, que las generaciones de cubanos que crecimos con ellos los recordamos con nostalgia. Teníamos poco, nuestro universo era ínfimo, y sin embargo tuvimos una feliz infancia de mataperreo, lecturas y poca televisión. Sí, niños de ahora y millenials, fuimos felices sin videojuegos y descalzos…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Quizás porque valoro mi educación sentimental me reconforta tanto ver a mi niño salir del letargo en que lo sumen la Vaca Lola y otros engendros, para aplaudir entusiasmado las canciones de la despreocupada “trouppé” integrada por un perro, un gato, un gallo, un trovador y un burro que remataba cada verso con un inolvidable “Yé, yé, yé, yé, yé”.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Este quinteto, más parecido a una banda de rock que a un circo ambulante, vaga de pueblo en pueblo hasta que llegan al Palacio Real, donde el Trovador y la Princesa –cosa rara- se enamoran. El Rey expulsa a los músicos, y tras una serie de escaramuzas, el predecible final feliz: la Princesa se escapa de su jaula dorada y sale a vivir la libertad con su amado y sus compadres.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Inspirada en un cuento de los Hermanos Grimm, esta joyita musical salió en 1969 de los estudios Soyuzmultfilm con el título Бременские музыканты (Bremenskiye muzykanty). Tuvo claras influencias del rock n’ roll y los aires contraculturales que batían en Occidente, desde los jeans acampanados del Trovador, hasta la minifalda rebelde de la Princesa, pasando por las greñas hippies del Burro, o las gafas intelectuales del Gallo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Dirigido por Inessa Kovalevskaya, este musical animado fue escrito por Yuri Entin y Vasily Livanov, con música de Gennady Gladkov. Casi todas las voces corrieron a cargo del artista emérito Oleg Anofriyev, con la excepción del Burro (Anatoli Gorokhov) y la Princesa (Elmira Zherzdeva).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
La animación no es particularmente sofisticada, ni tiene que serlo, porque lo que importa es la historia, y más aún, la banda sonora. Aún sin saber ni jota de ruso, uno podía figurarse la trama y disfrutarla. Es más, nos inventábamos la letra de aquellas canciones que transitaban por varios géneros, y algunas eran una gozada, como la polka de los forajidos, ideal para curdas íntimas…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Este filme pronto adquirió status de culto en el campo socialista, y el disco fue un éxito. Es que la Unión Soviética también tuvo sus estrellas del género, como Sofiya Rotaru, o Larisa Dolina y Alla Pugachova, artista cuya carrera se ha mantenido y ha vendido más de 250 millones de álbumes.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
En 1973, Soyuzmultfilm estrenó <em>Tras las huellas de los músicos de Bremen</em>, una secuela dirigida por Vasíliy Ivánov, que en Cuba nunca pusieron, tal vez para bien, porque es un remedo infame de su predecesor.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Por lo pronto, yo gozo cuando mi hijo disfruta de los Músicos de Bremen, pues lo hace con la genuina alegría de su inocencia infantil. No como yo, que a estas alturas me pregunto por qué la jefa de los bandoleros vestía y hablaba como un hombre, pero sobre todo… ¿cuál era la obsesión del Rey con los huevos?</div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-79783177970925307332018-04-05T17:05:00.000-07:002018-04-05T17:31:02.253-07:00Marilú (Juan Formell, 1969)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/79A5Vw0mfg0/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/79A5Vw0mfg0?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="text-indent: 14.2pt;">Leo en <a href="https://www.facebook.com/magazineampm/" target="_blank">Magazine AMPM</a> que <a href="https://www.facebook.com/notes/magazine-ampm/seleccionada-rapera-cubana-telmary-para-participar-en-fimpro-2018/1049737721832192/" target="_blank">Telmary Díaz se hará oír en la Feria Internacional de la Música que organizará Guadalajara</a>, y me alegro por esta artista con la que habré hablado si acaso un par de veces, pero que disfruto desde los reveladores años de beca, como parte de aquel <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Free_Hole_Negro" target="_blank">Free Hole Negro</a> que nos contaba de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=BwmYaMQckTk" target="_blank">los superfinos negros</a> y su huelga de rumba... </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="text-indent: 14.2pt;">Como buena estrella, Telmary es luz, y la irradia. Al parecer es algo genético, porque tanto iluminó su mamá, que inspiró el primero de los muchos clásicos de quienes Mister (Jorge) Smith definió como los Rolling Stones de Cuba. Hablo de dos instituciones: Marilú y los Van Van.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Aquel bolero-songo fue la carta de presentación de la orquesta cuya fecha oficial de nacimiento fue el 4 de diciembre de 1969, aunque par de meses atrás habían grabado su primer disco (Volumen I), en los estudios de la Egrem, con producción y orquestaciones de <a href="http://blogosferacuba.org/cronicas-vanvaneras/" target="_blank">Juan Formell</a>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Marilú fue la tercera pista de dicho fonograma, que incluía otras joyas como Yuya Martínez y La bola de humo, y que poseía una revolucionaria sonoridad, gracias al genial descaro de “contaminar” al formato de charanga con elementos del rock como bajo eléctrico, batería y coros de balada.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
El intérprete original de aquella pieza fue un cantante que, como Formell y el pianista <a href="http://www.juventudrebelde.cu/suplementos/de-impacto/2017-01-10/cesar-pedroso-pupy" target="_blank">César “Pupy” Pedroso</a>, venía de revolucionar a la orquesta <a href="https://aserebcn.com/2017/04/12/breve-historia-de-elio-reve-y-su-charangon/" target="_blank">Revé </a>con el irreverente changüí-shake: era Miguel Ángel Rasalp, el “Lele”, padre de uno de los actuales cantantes de Van Van, conocido por el mismo apodo.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Con los años también la cantaron el carismático Pedrito Calvo y más acá Mayito Rivera, este último en una versión en tiempo de hip-hop que hiciera <a href="https://oncubamagazine.com/cultura/telmary-diaz-cuba-es-mi-mejor-musa/" target="_blank">Telmary</a>, quien reveló entonces que la misteriosa musa que buscó la soledad y junto al mar se fue a vivir era nada menos que… su madre…</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/am-iv1xkHv8/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/am-iv1xkHv8?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Según canta Telmary, Marilú era periodista de Radio Rebelde, amiga de Formell y fan de los Rolling Stones. Murió inesperadamente en 1985, menos de 20 años después de haberle inspirado al Vanvanero Mayor una antológica canción que muchos comparan con el <a href="https://www.youtube.com/watch?v=7dwO9HwPsWM" target="_blank">Anna de los Beatles</a>. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Pasaron casi cuatro décadas antes que se supiera quién inspiró aquel tema, emblemático del contrapunteo entre lo cubano y lo foráneo en el primer disco de Van Van, porque mezcló los violines y la flauta charanguera con sonidos del funk, y un meloso arreglo vocal con algo de soul y quiebres rocanroleros.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
La identidad de la famosa Marilú salió a la luz en 2006, cuando la ex-Free Hole Negro lanzó su disco A diario, con el apoyo del piquete de <a href="http://suenacubano.com/roberto-carcasses-interactivo/" target="_blank">Interactivo </a>y el visto bueno de quien fue como un padre para ella, Formell. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Ha pasado casi medio siglo y la canción aún es inevitable en conciertos y en discos recopilatorios, como los lanzados a propósito de los 25 y 30 años de la agrupación insignia de la música popular cubana, apodada con razón el Tren por su arrastre y su paso arrollador, trepidante, único…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
La muerte de Formell abrió múltiples interrogantes, como si fue más grande que el legendario <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Benny_Mor%C3%A9" target="_blank">Benny Moré</a>, o si Van Van sobrevivirá a esta pérdida que los cubanos sufrieron como propia, como si se nos hubiera ido el pariente que siempre llegaba a ponernos buena la fiesta, a alegrarnos el día…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Pero entre tanto dolor e incertidumbre, quedó una certeza: Marilú es todo un clásico, bellísimo, tierno y especial para enamorar, bailar o simplemente escucharlo y darle gracias a Formell, dondequiera que esté, por hacer de los cubanos una feliz e irreductible raza de vanvaneros. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-47658657341950230322018-04-04T16:42:00.000-07:002018-04-04T16:42:50.574-07:00Venus (Shocking Blue, 1969)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/d4-1ASpdT1Y/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/d4-1ASpdT1Y?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Si le hablo de Holanda, usted seguramente pensará en Rembrandt, diques, tulipanes, fútbol total o las pecaminosas vidrieras de Ámsterdam, pero no en un éxito que hizo bailar a medio mundo, incluido Cuba: <em>Venus</em>, de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Shocking_Blue" target="_blank">Shocking Blue</a>, un clásico de la psicodelia primero y del género “dance” después.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Para ser sinceros, casi nadie reconoce a este clásico por su título, si no por su contagioso estribillo (“She’s got it, oh baby, she’s got it”). </span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Por ejemplo, la canción fue casi un himno para la sub-cultura hippie en la <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_de_la_Uni%C3%B3n_Sovi%C3%A9tica" target="_blank">Unión Soviética</a>, que no se sabía la letra, pero coreaba un entusiasta “<a href="http://www.liquisearch.com/what_is_shizgarah" target="_blank">Shizgarah</a>” que pasó a la historia, sirvió de nombre a clubes y hasta a una novela de <a href="https://iwp.uiowa.edu/writers/sergey-soloukh" target="_blank">Sergey Soloukh</a>.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Pero… ¿Qué vamos a reprocharle a aquellos “konsomoles” descarriados, si hasta los propios autores pifiaban con el inglés? Robbie van Leeuwen, el guitarrista de la formación neerlandesa, escribió mal el primer verso del tema, cambiando “goddess” (diosa) por “</span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">godness” (bienestar), y así salió. Y triunfó.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">En pocas semanas la canción lideró las carteleras en Estados Unidos, y luego alcanzó la cima en Francia, Suiza, Alemania, Italia, España, Japón y Reino Unido. Y como nadie es profeta en su tierra, en Holanda no subieron del tercer puesto. Nada mal para un tema acusado de plagio…</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Sin embargo, Van Leeuwen nunca negó que se inspiró en <em><a href="https://www.youtube.com/watch?v=qSIj17xbAyk" target="_blank">Oh! </a></em></span><em><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=qSIj17xbAyk" target="_blank">Sussana</a></span></em><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">, la versión que hizo Tim Rose a <em><a href="https://www.youtube.com/watch?v=9uqnN3ek2vI" target="_blank">The Banjo Song</a></em>, tema folclórico compuesto por Stephen Foster en 1847. <em>Oh! </em></span><em><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Sussana</span></em><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">, fue grabado inicialmente en 1963 por The Big Three, el trío integrado por Rose, Jim Hendricks y </span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Cass Elliott, la rozagante Mama Cass de los Mamas and the Papas. Rose nunca reclamó sus derechos al mega-éxito. Total, ladrón que roba a ladrón.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Volviendo a <em>Venus</em>, Van Leeuwen y el productor Jerry Ross lo dotaron de un sonido entre “bluegrass” y psicodélico, complementado por la potente y afinada voz de la bella </span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Mariska Veres, y un distintivo riff de guitarra que tomó notas del <em>Pinball Wizard</em> de The Who,</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">En efecto, en 1986 el trio <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Bananarama" target="_blank">Bananarama </a>(Sara Dallin, Keren Woodward y Siobhan Fahey) entendió que ya hora de grabar su versión de</span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"> </span><em style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Venus</em><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">. El tema estaba en su repertorio hacía años, pero como querían ser tomadas en serio, sus primeras producciones solo incluían composiciones propias.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Tony Swain y Steve Jolley, sus productores habituales, no querían llevar aquel clásico al género “dance”. Tampoco lucía muy convencido el equipo de Stock, Aitken y Waterman, pero las chicas insistieron y la diosa greco-latina de la belleza volvió a hacer el milagro.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Aupada por un sensual videoclip, esta versión fue número uno en Estados Unidos, Australia, Suiza, Nueva Zelanda, Suráfrica y México, y se coló en el Top 10 de media Europa. Sobrevino otra “venusmanía” y el trío se consagró.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Una última curiosidad: <em>Venus</em> encumbró a Shocking Blue y a Bananarama en Estados Unidos, pero una canción con el mismo título, interpretada por <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Frankie_Avalon" target="_blank">Frankie Avalon</a>, también llegó al número uno en ese país en 1959. Otro tanto logró en 1981 el grupo holandés <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Stars_on_45" target="_blank">Star of 45 </a>con un popurrí que incluía el riff de <em>Venus</em>. Evidentemente, esta diosa nunca pasa de moda…</span></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-5527627153876798502018-04-02T10:37:00.000-07:002018-04-02T10:37:05.922-07:00California dreamin’ (Mamas and the Papas, 1963)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/N-aK6JnyFmk/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/N-aK6JnyFmk?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<span style="text-indent: 14.2pt;">California Dreamin’ tiene esa extraña
cualidad de ciertas canciones de ponernos nostálgicos con algo que ni siquiera
vivimos. Al menos cuando <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/John_Phillips" target="_blank">John </a>y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Michelle_Phillips" target="_blank">Michelle Phillips</a> la escribieron en 1963, sintiéndose
raros y melancólicos en New York, todavía faltaban 16 años para que yo naciera
y muchos más para que descubriera aquel himno de la cultura hippie. Y aún así, logra conmoverme...</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Tras
la experiencia neoyorquina, los Phillips se unieron a <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Cass_Elliot" target="_blank">Cass Eliott</a> y
<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Denny_Doherty" target="_blank">Denny Doherty</a> para formar los <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/The_Mamas_%26_the_Papas" target="_blank">Mamas and thePapas</a>, agrupación imprescindible de la música anglosajona en aquellos
años
contraculturales, cuyo primer gran éxito fue, precisamente, California
Dreamin’, en 1965. Además de este y otros clásicos, al memorable
cuarteto se le debe la organización del <a href="http://ultimateclassicrock.com/monterey-pop-festival/" target="_blank">Festival de Monterrey</a>, donde el
divino <a href="https://elpais.com/diario/2007/02/26/cultura/1172444405_850215.html" target="_blank">Jimi Hendrix</a> aleló a todos con su guitarra zurda, disculpándose
mientras
besaba el cielo, arropado por su bruma púrpura.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Volviendo al clásico de hoy, la canción nació
de la añoranza de Michelle por el soleado estado de California. También existió
el mito de que estuvo inspirada en el oscurantismo vivido por John en la Academia Naval. El tema fue
incluido en el disco <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/If_You_Can_Believe_Your_Eyes_and_Ears" target="_blank">If You Can Believe Your Eyes and Ears </a>(Dunhill Records), y
aunque nunca llegó a la cima, estuvo 17 semanas en los primeros lugares de las
listas de éxitos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Algunos la encasillan entre las típicas
canciones de verano, lo cual es absurdo, pues la letra deja bien claro que todo
ocurre “on a winter day” (en un día de invierno). El de 1963 fue
particularmente frío para la pareja, al menos para los estándares californianos de
Michelle, quien solía ir de iglesia en iglesia para matar el tiempo, y rezar
por volver al calor. En la <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_San_Patricio_de_Nueva_York" target="_blank">catedral de San Patricio </a>nació el segundo verso del tema -“Stopped
into a church, I passed along the way” (Entré a un iglesia que encontré
en el camino)-, que John quería quitar porque rechazaba toda referencia
clerical porque con apenas 7 años de edad a una férrea escuela militar
católica. Sin embargo, los demás miembros del grupo lo disuadieron,
porque el fragmento funcionaba.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Otro de los sellos de esta canción es el
inusual solo de flauta, más largo de lo habitual para un tema pop, y que
pretendía variar del tradicional solo de guitarra. John salió al pasillo del
estudio de grabaciones buscando a algún músico y se topó con el jazzista <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Bud_Shank" target="_blank">BudShank</a>, quien captó la idea y en una sola toma salió su parte. Curiosamente, el
propio Bud también tocó el saxofón para
los Beatles en la grabación de "<a href="https://www.youtube.com/watch?v=kqfkEdGwuZM" target="_blank">Michelle</a>" (1966). </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
California
Dreamin’ fue grabado en United Western Recorders, el 4 de noviembre de
1965, con
algunos de los mejores músicos de sesión de su tiempo, como <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Hal_Blaine" target="_blank">Hal Blaine</a>
(batería),
<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Larry_Knechtel" target="_blank">Larry Knechtel </a>(teclados), <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Osborn" target="_blank">Joe Osborn </a>(bajo) y <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/P._F._Sloan" target="_blank">P.F. Sloan</a> (guitarra).
Fue
el primero de varios éxitos de aquel cuarteto cuyos ideales de paz, amor
y libertad se fueron al demonio en 1968, cuando John encontró a
Michelle en la cama
con Denny, de quien estaba celosamente enamorada Cass. Adiós a la
concordia…</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Tras
hacer las paces, los Mamas and
the Papas se reunieron brevemente en 1974, pero ese año murió Mama Cass
de un
infarto masivo. <a href="https://www.rockhall.com/inductees/mamas-and-papas" target="_blank">Fueron exaltados al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1998</a>. Tres años después John falleció, también infartado, y <a href="https://elpais.com/cultura/2007/01/20/actualidad/1169247601_850215.html" target="_blank">Denny </a>se
fue en 2007,
por problemas renales. De los originales solo queda Michelle, quien
seguramente ahora extraña
algo más que a California…</div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8902334735577637405.post-57222696996716580632016-05-05T12:18:00.001-07:002018-03-20T06:29:33.211-07:00Motivos de un Sentimiento (Joaquín Sabina, 2003)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/4Wm2YzWsrCY/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/4Wm2YzWsrCY?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Con tantos
clásicos que tiene <a href="http://buzz.eurosport.es/famosos/el-guino-al-atleti-de-la-ultima-cancion-de-sabina-24641/" target="_blank">Joaquín Sabina</a>, aparecerme con el himno que compuso para el
centenario del <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Club_Atl%C3%A9tico_de_Madrid" target="_blank">Atlético de Madrid</a> parece una aberración que no me perdonarán
los seguidores del pendenciero de Jaén, pero mientras dure el Mundial el fútbol
lo inunda todo. Incluso esta sección…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Sabina es un
colchonero de pura cepa, o sea, un seguidor del club allende el Manzanares,
cuya catedral es el estadio Vicente Calderón y su credo amar a su equipo aunque
pierda. Se dice, con razón, que para ser del Atléti hay que sufrir. Si no
quieres sufrir, hazte del Real Madrid o del Barça.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Es una
pregunta recurrente de hijos a padres: ¿Por qué somos del Atléti? Y casi siempre
la respuesta es “porque sí”. No existe realmente una explicación lógica, y el
propio Sabina lo reconoce en las primeras estrofas de la canción que <a href="https://as.com/futbol/2008/03/11/mas_futbol/1205220451_850215.html" target="_blank">le musicalizóPancho Varona</a>, en versiones para banda, chirigota y rock.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
“Aquí me pongo
a contar, motivos de un sentimiento que no se puede explicar. Y eso que no doy
el tipo de hincha rapado y violento, pero que gane mi equipo. Para entender lo
que pasa hay que haber llorado en el <a href="https://www.nytimes.com/es/2017/05/10/adios-al-vicente-calderon/" target="_blank">Calderón</a>, que es mi propia casa, o en el
Metropolitano, donde lloraba mi abuelo con mi papá de la mano”, canta Sabina
junto a otros ilustres colchoneros.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
No era esta la
primera canción que el gran Sabina dedicaba al deporte de sus amores. Ya en su
disco “19 días y 500 noches” le cantó a Paula Seminara, la fiel seguidora del
Boca Juniors argentino, en “Dieguitos y Mafaldas”, una canción divertidamente “bostera”,
pero sin la bomba de los Motivos…</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Con su canción
del Centenario rojiblanco, Sabina propuso una alternativa al himno oficial del Atleti,
compuesto en 1972 por José Aguilar y Ángel Curras. Para la versión urbana de su
obra, Sabina contó con las voces de otros eminentes colchoneros, como el
veterano rockero español Rosendo Mercado y el portero argentino Germán “el Mono”
Burgos.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
El sencillo
salió a la venta en junio de 2003, e involucró a personalidades de múltiples
profesiones. La letra rinde tributo a muchas instituciones del club, entre
ellas su actual DT, el argentino Diego “el Cholo” Simeone, y otros que pasaron
por sus filas, se fueron y regresaron, como <a href="http://www.mundodeportivo.com/futbol/atletico-madrid/20180320/441729191501/torre-cumple-34-anyos-atletico-madrid-leyenda-futuro-aire.html" target="_blank">Fernando “el Niño” Torres</a>. Sin contar al “<a href="http://www.abc.es/deportes/futbol/abci-final-champions-2016-fama-rojiblanca-felipe-201605280430_noticia.html" target="_blank">principito heredero corazoncito de colchonero</a>”, que hace un tiempo ya es Su Majestad el Rey Felipe VI. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Sobre su músico,
Pancho Varona negó en su momento que él y Sabina se hubieran propuesto hacer un
himno glorioso, sino una canción populachera y barriobajera, a la medida del
equipo canalla que, a mucha honra, es el Atleti. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
Hace tres años sobraron los motivos para este sentimiento: el Atlético
de Madrid ganó la Liga Española
y por dos minutos no fue campeón de la Champions. Otros
hinchas habrían infartados, pero los colchoneros de raza nos limitamos a
corear, orgullosos y sabineros: <span style="mso-spacerun: yes;"> </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Qué manera de aguantar, qué manera de
crecer, qué manera de vivir, qué manera de soñar, qué manera de aprender, qué
manera de sufrir, qué manera de palmar, qué manera de vencer, qué manera de
sentir, qué manera de subir y bajar de las nubes… ¡Qué viva mi Atleti de
Madrid!</i>”</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 14.2pt;">
<br /></div>
Charly Moraleshttp://www.blogger.com/profile/01993974567040408814noreply@blogger.com0